（续前文：漫谈19世纪学院派绘画：政治与社会情境）

在19世纪，无论是在法国、英国、德国、意大利、西班牙、美国，还是西方世界的其它地方，艺术教育的性质和方式都和20世纪以至今天大部分学校所教导的艺术形成直接对比。

从学院派到现代派训练的转变，不是被艺术媒材或训练方面的技术进步所推动，而是基于“艺术为何”的哲学理念的完全改变。

也由于这种艺术哲学理念的变化，学院式的训练方法，连同掌握这些技巧的伟大艺术家，几乎完全从20世纪学校所传授的艺术和艺术史中被抹掉了。

不过，正如历史进程中一再发生的情形，钟摆会两边摇摆。大约自1995年以来，艺术教育界出现一种迅猛势头，即重新掌握经学院训练的艺术家所运用的技巧，这种势头还在向当今的艺术教育体系做着回归的努力；同时，艺术与收藏界对19世纪学院派作品的兴趣也愈加浓厚——那毕竟是完全接受文艺复兴经典的最后一个世纪。

这种学院派的训练方法并未被视为业余活动，它是一种生活方式，无所不包。

这种学院派的训练方法在19世纪只是为那些想毕生奉事艺术的态度严肃的艺术家准备的，并未被视为业余活动。它是一种生活方式，无所不包。这种严格训练通常会是四或五年的全日制课程，前一两年只教授素描。

学生们会先从构划空间等简单概念入手，所谓构划空间，即确定想描绘的对象在纸张或画布上的边界，使之在开始绘画前就占据合适的位置；之后是画静物形体素描，学习合理地呈现空间和光影；其后则是画目测（sight–size）比例的素描，目测是艺术家使用的一种方法，用以确定在纸张上画出的形象与看到的物象大小一致；然后过渡到画石膏像的铅笔或炭笔素描，此间会采用有自然灰色光影的三维物体，在消除色彩的复杂性之后，将其在纸张上转换成精确的二维物象。

学生们在掌握以上技能之后，就会转向画解剖素描，包括画肌肉和骨骼模型，以及人体写生，此间，一般会有人体模特摆出长时间或短时间的姿态，供学生精细刻画或完成速写。

这一训练不会停辍，直到他们掌握了正确绘制轮廓线的方法，轮廓线画不对，形象就画不对。

今天多数艺术学校的素描写生课，模特摆长姿势的时间是1小时，而在19世纪，模特摆一个姿势会是数天、数周，中间有休息，但之后他们会恢复到同样的姿势，让学生有时间完善自己的素描，强化对微细差别的洞察力。这一训练会不会停辍，直到他们掌握了正确绘制轮廓线的方法，轮廓线画不对，形象就画不对。只有在掌握了素描技巧之后，学生们才被允许用油画或其它颜料作画。

到这时，学生需要重新学习他们在素描中已掌握的东西，但是用新的材料；同时也要理解一些术语，如色调（调和颜色，而不是用纯色）、色度（色彩饱和度）等。他们也将学习薄涂法（scumble）和透明罩染法（glazing）的要领。薄涂法是在画布表面涂刷一层薄薄的不透明颜料层，以使形象柔化而有质感；透明罩染法则是在干燥的不透明颜料层上罩以透明涂层，通过光线的透叠效果，让形体更有深度、更富丽厚重。

在19世纪刚起步阶段，现代派的意识形态就开始批评画室的课徒方法，因为他们注意到，学生们毕业时，其画作看起来往往是一样的。这被视作艺术家不能发自内心表达自己、必须调适到他人或老师标准的一种表现。

然而，当一种物象被准确地呈现出来时，它和描绘对象必然是一样的。所以，当有人学会了这种技法，其完成的学生习作看起来自然颇为相似。只有在学习这些技巧之后，画室或学院的学生才可以开始画自己的原创作品、发展自己的风格。这一阶段通常会在他们呈交毕业创作、办毕业画展的那一年开始，没有此后数年的专业创作经验，是难于完全实现的。

视觉美术中的学院式训练是以技法为基础的，就像在音乐课堂上传授节奏、速度和音阶，之后学生才具有作曲的基本能力一样，通过学习扎实的技法、色彩理论、颜料技法和透视，学生可以拓展视觉表达能力，从而创造出独特的艺术作品。艺术家不因缺乏必要的培训和技能而在创作中受阻，这曾经被视作很重要的事。

本文是“19世纪绘画”系列文章之一，阅读全系列请点阅这里。

作者简介：卡拉‧莱桑德拉‧罗斯（Kara Lysandra Ross），19世纪欧洲绘画专家，现任艺术复兴中心（Art Renewal Center，简称ARC）的首席运营官。

责任编辑：茉莉