（續前文：漫談19世紀學院派繪畫：政治與社會情境）

在19世紀，無論是在法國、英國、德國、意大利、西班牙、美國，還是西方世界的其它地方，藝術教育的性質和方式都和20世紀以至今天大部分學校所教導的藝術形成直接對比。

從學院派到現代派訓練的轉變，不是被藝術媒材或訓練方面的技術進步所推動，而是基於「藝術為何」的哲學理念的完全改變。

也由於這種藝術哲學理念的變化，學院式的訓練方法，連同掌握這些技巧的偉大藝術家，幾乎完全從20世紀學校所傳授的藝術和藝術史中被抹掉了。

不過，正如歷史進程中一再發生的情形，鐘擺會兩邊搖擺。大約自1995年以來，藝術教育界出現一種迅猛勢頭，即重新掌握經學院訓練的藝術家所運用的技巧，這種勢頭還在向當今的藝術教育體系做著回歸的努力；同時，藝術與收藏界對19世紀學院派作品的興趣也愈加濃厚——那畢竟是完全接受文藝復興經典的最後一個世紀。

這種學院派的訓練方法並未被視為業餘活動，它是一種生活方式，無所不包。

這種學院派的訓練方法在19世紀只是為那些想畢生奉事藝術的態度嚴肅的藝術家準備的，並未被視為業餘活動。它是一種生活方式，無所不包。這種嚴格訓練通常會是四或五年的全日制課程，前一兩年只教授素描。

學生們會先從構劃空間等簡單概念入手，所謂構劃空間，即確定想描繪的對象在紙張或畫布上的邊界，使之在開始繪畫前就占據合適的位置；之後是畫靜物形體素描，學習合理地呈現空間和光影；其後則是畫目測（sight–size）比例的素描，目測是藝術家使用的一種方法，用以確定在紙張上畫出的形象與看到的物象大小一致；然後過渡到畫石膏像的鉛筆或炭筆素描，此間會採用有自然灰色光影的三維物體，在消除色彩的複雜性之後，將其在紙張上轉換成精確的二維物象。

學生們在掌握以上技能之後，就會轉向畫解剖素描，包括畫肌肉和骨骼模型，以及人體寫生，此間，一般會有人體模特擺出長時間或短時間的姿態，供學生精細刻畫或完成速寫。

這一訓練不會停輟，直到他們掌握了正確繪製輪廓線的方法，輪廓線畫不對，形象就畫不對。

今天多數藝術學校的素描寫生課，模特擺長姿勢的時間是1小時，而在19世紀，模特擺一個姿勢會是數天、數週，中間有休息，但之後他們會恢復到同樣的姿勢，讓學生有時間完善自己的素描，強化對微細差別的洞察力。這一訓練會不會停輟，直到他們掌握了正確繪製輪廓線的方法，輪廓線畫不對，形象就畫不對。只有在掌握了素描技巧之後，學生們才被允許用油畫或其它顏料作畫。

到這時，學生需要重新學習他們在素描中已掌握的東西，但是用新的材料；同時也要理解一些術語，如色調（調和顏色，而不是用純色）、色度（色彩飽和度）等。他們也將學習薄塗法（scumble）和透明罩染法（glazing）的要領。薄塗法是在畫布表面塗刷一層薄薄的不透明顏料層，以使形象柔化而有質感；透明罩染法則是在乾燥的不透明顏料層上罩以透明塗層，通過光線的透疊效果，讓形體更有深度、更富麗厚重。

在19世紀剛起步階段，現代派的意識形態就開始批評畫室的課徒方法，因為他們注意到，學生們畢業時，其畫作看起來往往是一樣的。這被視作藝術家不能發自內心表達自己、必須調適到他人或老師標準的一種表現。

然而，當一種物象被準確地呈現出來時，它和描繪對象必然是一樣的。所以，當有人學會了這種技法，其完成的學生習作看起來自然頗為相似。只有在學習這些技巧之後，畫室或學院的學生才可以開始畫自己的原創作品、發展自己的風格。這一階段通常會在他們呈交畢業創作、辦畢業畫展的那一年開始，沒有此後數年的專業創作經驗，是難於完全實現的。

視覺美術中的學院式訓練是以技法為基礎的，就像在音樂課堂上傳授節奏、速度和音階，之後學生才具有作曲的基本能力一樣，通過學習紮實的技法、色彩理論、顏料技法和透視，學生可以拓展視覺表達能力，從而創造出獨特的藝術作品。藝術家不因缺乏必要的培訓和技能而在創作中受阻，這曾經被視作很重要的事。

本文是「19世紀繪畫」系列文章之一，閱讀全系列請點閱這裡。

作者簡介：卡拉‧萊桑德拉‧羅斯（Kara Lysandra Ross），19世紀歐洲繪畫專家，現任藝術復興中心（Art Renewal Center，簡稱ARC）的首席運營官。

責任編輯：茉莉